Diego Velázquez “ Fue el pintor barroco español más importante porque trató con igual excelencia todos los géneros: religiosos, mitológicos, retratos,

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1 Diego Velázquez “ Fue el pintor barroco español más importante porque trató con igual excelencia todos los géneros: religiosos, mitológicos, retratos, históricos, paisajes, bodegones, etc. Además de ser, indiscutiblemente, uno de los mejores artistas de todos los tiempos.” Hizo por Mariachiara Rossi y Greta Usai

2 Diego Velázquez. Biografía y obra Diego Velázquez nace en 1599 en Sevilla y muere en Madrid en 1660. Se trata de una época en la que el estilo artístico que reina es el Barroco, que ha llegado a España desde Italia. Se formó con Francisco Pacheco. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor de Felipe IV. En 1627 fue ascendido a pintor de cámara, labor a la que dedicó el resto de su vida. Evolucionó del “tenebrismo”, influido por Caravaggio Murió en Madrid, en 1660.

3 Las características más peculiares y representativas de la pintura de Velázquez son: Empleo de la perspectiva aérea. Profundidad. Pintura "alla prima", es decir, sin realización de bocetos. Por ello se nota en los numerosos "arrepentimientos" en sus cuadros. Un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana y la madrileña Caracteristicas

4 Etapa Sevillana (1599-1623) Adoración de los Reyes Magos En esta pintura, gran parte del escenario está oscuro y sólo ilumina la parte del mismo que quiere destacar. Se trata, por tanto, de un cuadro de estilo tenebrista, realista y composición diagonal. En esta fase, Velázquez tuvo como maestro a Pacheco. Con él aprendió a ser un gran dibujante y a organizar las composiciones. Las primeras obras que realizó pertenecen al tenebrismo (tendencia italiana que procede de Caravaggio). Las características de esta corriente son: Realismo. Contrastes de luz. Composición diagonal. Los temas que Velázquez pintó en esta primera etapa son religiosos y también populares, extraídos de la vida cotidiana.

5 Con estas primeras obras alcanza un gran prestigio entre la nobleza sevillana lo que le permite catapultarse e instalarse en el Madrid de los Austrias. “ Bodegón a lo divino “ “ La Vieja friendo huevos “ “ El Aguador de Sevilla “ Representan unas escenas de la vida cotidiana con gran realismo.

6 Etapa madrileña (1623- 1660) Se trata de la etapa más amplia de la vida y obra de Velázquez, que a su vez tiene distintas fases. Rubens Inicialmente, desde 1623 a 1629 se emplea como pintor de cámara de Felipe IV. En este periodo continúa su formación como pintor, tomando como referencia las galerías pictóricas de la Corte madrileña. Además, en esta etapa conoce al genio flamenco Rubens. La obra màs sobresaliente es “Los Borrachos “. Se trata de la primera pintura mitológica de Velázquez. En este cuadro, Velázquez abandona casi totalmente el tenebrismo, ya que distribuye la iluminación por todo el escenario. Estilísticamente, la obra conserva el naturalismo de su etapa sevillana, junto con la influencia colorista de Rubens.

7 Los borrachos Bacco está sentado y destaca por su posición, por su desnudo, por la luz, por la corona de hojas de vid. Se representan las tres etapas de la borrachera gracias a las expresiones de los personajes. A través de ella, Velázquez ofrece un discurso sobre las bondades del vino y su capacidad para consolar a la gente de las penalidades de la vida diaria.

8 Entre 1629 y 1631 pasa una larga estancia en Italia aconsejado por Rubens. Allí aprende mucho de la obra de los grandes pintores renacentistas y barrocos italianos.Fruto de este periodo son sus obras: “ La Fragua de Vulcano “ En 1631 Diego Velázquez regresa a España permaneciendo hasta 1649.Se trata de una fase prolífica en que realiza numerosas obras. “ La túnica de José “

9 Las Lanzas o la Rendición de Breda La pintura reproduce cómo Ambrosio Spínola, general genovés de las tropas españolas, recibe del gobernador holandés, Justino de Nassau, la llaves de la ciudad de Breda. Las lanzas, que fueron añadidas en una fase posterior,simbolizan el orgullo de la victoria. Relata una victoria real en la guerra de los 30 años en que se elogia a la paz, puesto que los vencedores tratan con respeto y cortesía a los vencidos. En primer plano aparecen los dos ejércitos (españoles y holandeses) y los caballos actúan como paréntesis de la escena. Velázquez centra la atención en el primer plano con el principio de la paz y deja la escena de la batalla en el fondo.

10 “ La obra, con finalidad de propaganda política, se centra en la clemencia de la monarquía hispánica. “  En esta obra la técnica se ha vuelto muy fluida.  Es una excelente muestra del dominio de todos los recursos pictóricos por parte de Velázquez, entre ellos, el de la perspectiva aérea.  Hay que destacar la habilidad con la que el artista introduce la atmósfera, la luz y el paisaje.  En este cuadro Velázquez terminó de desarrollar su estilo pictórico. A partir de él pintará siempre con esta técnica, realizando posteriormente solo pequeños ajustes en ella.

11 Es en estos años cuando realiza muchos retratos en la Corte: el rey, su hijo, su valido... y también de los bufones. Retrato de Felipe IV Retrato del príncipe Baltasar Carlos Don Sebastián de Morra

12 Velázquez realiza un segundo viaje a Italia en 1649 al encargarle el rey Felipe IV la adquisición de pinturas italianas. Va a permanecer en el país trasalpino durante dos años. Allí realiza varias obras,entre ellas: Paisajes de la Villa Medicci Venus del espejo

13 La fábula de Aracne (Las hilanderas) 1.En primer plano aparecen las hilanderas. 2.En segundo plano, Atenea cuando castiga a Aracne 3.En tercer plano, un tapiz. El motivo representado en el tapiz, el Rapto de Europa, es un nuevo homenaje a sus maestros Tiziano, autor del cuadro, y Rubens, que pintó la copia quese conservaba en el palacio real.

14 De nuevo se trata de un tema mitológico, que representa la disputa entre Atenea y una joven tejedora llamada Aracne. Para López-Rey es en este cuadro donde alcanzó mayor dominio de la luz. La composición es dotada de gran realismo y movimiento, que se aprecia en la sensación de rotación de la rueca. También es una obra maestra en el tratamiento de la luz. Introdujo en la composición muchos cambios, uno de los más significativos es la mujer de la izquierda que aparta la cortina, que al principio no figuraba en el cuadro.

15 Las Meninas También se conoce como la Familia de Felipe IV, obra realizada en 1656 por el artista español, quien pintó a la infanta Margarita rodeada de sus meninas y bufones y el perro. Es el cuadro más famoso de Velázquez y uno de los más conocidos del mundo. Destaca por el magnífico uso de la perspectiva, de la luz y de la representación de la atmósfera.

16 Pero no todo es tan sencillo, el cuadro ha tenido múltiples interpretaciones. Él se pintó dentro de la obra, llevando una cruz de Santiago en el pecho. Una de las más extendidas interretaciones es que se trata de una reivindicación de la nobleza y la maestría de la pintura frente a lo artesanal. Se autorretrata como pintor ennoblecido :como artista y no un mero artesano. Esto porque el pintor fue invitado a ser parte de la selecta orden de Santiago, la cual admiraba mucho, en 1658. Pero sus antepasados le robaron el premio, habiendo estudiado su descendencia y encontrarlos no lo suficiente para ingresar. Ante esto el rey Felipe IV en conjunto con el Papa consiguieron que Velázquez entrara a la orden en 1659, tres años después de pintar Las Meninas. Lo que no queda claro y que existe una leyenda al respecto, es quién pintó la cruz. Todo apunta a que fue el artista, pero también se dice que fue el rey. Dentro de la obra cada personaje tiene su significado y simbolismo, podemos ver a Velázquez auto retratado con 15 años menos, y que la escalera del fondo evoca la muerte y el paso a otra vida.

17 Retrato del papa Inocencio X El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando admiración, es el que realizó al papa Inocencio X. Pintado en su segundo viaje a Italia, el artista estaba en la cima de su fama y de su técnica. Sobre una combinación de distintos tonos de rojos, amarillos y blancos, la figura del pontífice erguida en el sillón tiene mucha fuerza resaltando el vigor de su rostro y su mirada severa. Se inspiró en el retrato de Julio II de Rafael y en la interpretación que de este hizo Tiziano, a los que rindió homenaje.Aunque se trata de una creación independiente que ha inspirado a pintores de todas las épocas