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IL CINQUECENTO – IL RINASCIMENTO E SECOLO DI ECCEZIONALI EVENTI STORICI E CULTURALI * RIFORMA PROTESTANTE di Martin Lutero dal 1517 I grandi letterati.

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1 IL CINQUECENTO – IL RINASCIMENTO E SECOLO DI ECCEZIONALI EVENTI STORICI E CULTURALI * RIFORMA PROTESTANTE di Martin Lutero dal 1517 I grandi letterati del tempo: ARIOSTO, MACHIAVELLI I grandi scienziati: COPERNICO I grandi artisti: LEONARDO, MICHELANGELO, RAFFAELLO, GIORGIONE, TIZIANO Testimone del tempo è GIORGIO VASARI * 6 MAGGIO 1527: IL SACCO DI ROMA, durante il quale la città fu messa a ferro e fuoco e venne gravemente danneggiata dalle truppe di Lanzichenecchi sfuggiti al controllo dellImperatore Carlo V. Tale evento portò anche ad un radicale cambiamento dellarte in tutta Italia con la diaspora di tutti gli artisti attivi a Roma. * CARLO V DIVENTA IMPERATORE * IL RE DI FRANCIA FRANCESCO I E LIMPERATORE CARLO V COMBATTONO PER PER LA CONQUISTA DELLITALIA

2 LEONARDO DA VINCI (1452 – 1519) Lavorò alle corti di Milano, chiamato da Ludovico il Moro nel 1482, città da cui si allontanò nel 1499 dopo la conquista francese. Proprio le truppe francesi distrussero lunica scultura conosciuta di Leonardo: il cavallo di bronzo, di cui esistono numerosi disegni preparatori. Si deve a Vasari la tradizione secondo la quale fu sempre in contrasto con Michelangelo Buonarroti. Tale idea è avvallata anche dalla doppia commissione, dal Vasari stesso considerata una gara tra i pittori, che prevedeva la realizzazione di due affreschi raffiguranti le battaglie di Anghiari (Leonardo) e di Cascina (Michelangelo) nella sala principale di Palazzo Vecchio a Firenze. Laffresco di Leonardo andò perduto durante la realizzazione, a causa di un errore commesso da Leonardo che stava sperimentando una nuova tecnica pittorica, in seguito a ciò Michelangelo non concluse mai il suo dipinto. Si formò presso la bottega dellartista VERROCCHIO. Studiò e indagò tutti gli ambiti dellarte e della scienza. Scrisse alcuni trattati molto importi come Il trattato sulla pittura e codici come Il Codice Atlantico, inoltre i moltissimi studi anatomici vennero raccolti ne I quaderni di anatomia Dipinse tutti i generi pittorici: ritratto, scene religiose, paesaggi. Lavorò a Mantova per Isabella dEste (Vasari racconta che Leonardo scappò dalla corte perché si sentiva costretto a lavorare in modo diverso da come era abituato lui, obbedendo alle richieste di Isabella che gli impose un ritratto di profilo – mentre Leonardo voleva seguire ritrarre solo di tre quarti. Del ritratto di Isabella esiste solo il disegno preparatorio (a destra), poiché Leonardo non realizzò mai il quadro per non andare contro i suoi principi) Trascorse gli ultimi anni di vita in Francia accolto e protetto dal re Francesco I. È al re francese che Leonardo poco prima di morire donò la Gioconda, che entrò quindi a far parte delle collezioni reali, poi divenute collezioni pubbliche del Louvre in età napoleonica

3 Studi anatomici, 1509 penna e inchiostro Windsor, Castello di Windsor Tutti gli appunti di Leonardo da Vinci sono scritti da destra a sinistra e posso essere letti chiaramente solo se posti davanti ad uno specchio.

4 Vergine delle rocce 1483 olio su tavola trasferito su tela, 199x122 Parigi, Musée du Louvre La disposizione dei quattro personaggi, secondo il tradizionale schema piramidale, crea unna composizione chiusa attraverso gesti e sguardi che collegano le figure. La vegetazione viene rappresentata in modo perfetto e ciò rivela un attento studio della natura. Lo stesso si vede nella rappresentazione delle rocce. Esistono due versioni di questo dipinto ( la seconda è conservata alla National Gallery di Londra) che ritrae la Vergine con il Bambino e San Giovannino (Giovanni Battista) e un angelo. Per realizzare il paesaggio Leonardo ricorre alla prospettiva aerea: per creare lillusione della profondità Leonardo, non usa più il rigore geometrico della prospettiva tradizionale, ma varia il tono dei colori ricorrendo alluso dei toni azzurrati, per creare leffetto dellaria che si frappone tra lo spettatore e lo spazio sempre più lontano. Allo sfumato: il passaggio di colore non avviene in modo netto ma in modo graduale. Questa tecnica pittorica dissolve i contorni e crea delicati passaggi di luce e ombra.

5 Anche in questo dipinto compaiono gli elementi tipici della pittura di Leonardo: La struttura piramidale La figura di SantAnna e la Vergine sembrano fondersi in un unico corpo Il dialogo chiuso tra i personaggi ritratti SantAnna guarda la Vergine che a sua volta tende le braccia verso il Bambino che cinge un agnello rivolto verso la Vergine La prospettiva aerea evidente nel paesaggio di fondo che appare a tratti solo disegnato. Lo sfumato CURIOSITA: Questo dipinto è stato analizzato dal fondatore della psicanalisi Sigmund Freud che ha notato che girando di 45° il dipinto la veste della Vergine sembra rappresentare la sagoma di un avvoltoio. Ciò sarebbe il riferimento ad un ricordo di Leonardo che ancora in fasce vide un avvoltoio poggiarsi sulla sua culla. SantAnna con la Vergine e il Bambino , olio su tavola, 168x 112 cm Parigi, Musée du Louvre

6 : Dal 1482 giunse a Milano chiamato da Ludovico il Moro e qui realizzò: La sala detta delle Asse nel Castello Sforzesco Realizzò opere di ingegneria civile come le Chiuse del Naviglio. Per la corte di Ludovico il Moro progettò anche scenografie per feste e balli, compose sonetti e persino giochi di parole, in particolare rebus, per intrattenere gli ospiti e la corte Ritratti di dame e uomini della corte come quelli di Ginevra dei Benci, la Dama con lermellino e il Musico

7 Ritratto di Ginevra dei Benci ,8×36,7 cm Tempera e olio su tavola Washington, National Gallery La parte inferiore del dipinto è stata tagliata e se ne ha conferma dallanalisi del retro del dipinto in cui compare lo stemma della famiglia, privo della parte inferiore. Le piante di ginepro sullo sfondo sono un richiamo al nome della dama

8 Dama con lermellino olio su tavola, 54x39 Cracovia, Muzeum Czartoryskich La donna ritratta si chiama Cecilia Gallerani La testa e il busto sono ruotati in modo differente e questo crea un effetto di dinamismo della figura Lermellino può avere una doppia lettura: era simbolo di Ludovico Sforza Italico morel, bianco ermellino e ciò indicherebbe un legame tra la donna e il duca era simbolo di pacatezza, semplicità e purezza di sentimenti e ciò potrebbe essere u omaggio alle doti della dama

9 Il Musico circa olio su tavola 44,7x32 cm Milano, Pinacoteca Ambrosiana Il soggetto, un giovane dalla folta capigliatura, è ritratto a mezzo busto di tre quarti, girato verso destra. Lo sguardo è indagato con particolare attenzione e rivela il riferimento al modello pittorico di Antonello da Messina che incentrava i suoi ritratti sullanalisi introspettiva. La veste, di qualità non eccelsa, viene ritenuta un intervento posteriore non di Leonardo.

10 Nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie dipinse LULTIMA CENA ( ) utilizzando una tecnica mista sperimentale che prevedeva tempera e olio stesi a secco sul muro (tempera grassa). Questa tecnica che fin da subito fece emergere limiti e fragilità del colore. È la prima volta che Giuda compare nel gruppo degli apostoli e dalla stessa parte del tavolo. Prima di allora Giuda era sempre raffigurato isolato e dalla parte opposta del tavolo, rispetto agli altri apostoli. La struttura architettonica dipinta riprende esattamente quella del refettorio e ciò per creare lillusione di uno spazio profondo che sfonda la parete. Ciò è reso attraverso un uso sapiente della prospettiva centrale, che ha nella figura di Cristo il centro. Viene rappresentato il momento in cui Cristo dice: uno di voi mi tradirà creando uno stato di tensione e stupor tra gli apostoli. Tale tensione drammatica viene perfettamente rappresentata nei gesti e nelle espressioni.

11 Accuratissima è la definizione degli elementi disposti sul tavolo Il gesto compiuto da Cristo con un palmo della mano rivolta verso lalto e laltro rivolto verso il basso evocano la vita terrena che si concluderà con la morte (rappresentata nella parte di fronte con la Crocifissione) e la vita celeste che attende i fedeli al termine della vita terrena

12 La Gioconda , olio su tela, 77x53 cm Parigi, Musée du Louvre Il dipinto venne iniziato su commissione ma Leonardo non lo consegnò mai poiché divenne lo strumento per la sua ricerca della perfezione pittorica. È lunico quadro che Leonardo portò sempre con sé in tutti i suoi viaggi e sul quale continuò a lavorare negli anni. Il dipinto è noto anche con il nome di Ritratto di Monna Lisa (donna Lisa). Il nome Gioconda venne utilizzato per la prima volta da Vasari che indicava nella donna ritratta Lisa moglie di Francesco del Giocondo, ricco mercante di Firenze. Il paesaggio, reale, è rappresentato facendo ricorso alla prospettiva aerea e lo sfumato con i quali Leonardo riesce a rappresentare la mutevolezza dellaria e lo scorrere dellacqua con i contorni non definiti e il passaggio graduale dei toni cromatici. Il volto e il busto sono ruotati in direzione diverse e questo al fine di creare nello spettatore lillusione di un lieve movimento della donna. In questo ritratto Leonardo cerca di rappresentare non solo la somiglianza fisica ma anche quelli che lui stesso definisce moti dellanima perché: il bono pittore ha da dipingere due cose principali, cioè lhomo e il concetto della mente sua; il primo è facile, il secondo difficile perché sha figurare con gesti e movimenti delle membra

13 A Milano insieme a Leonardo è attivo un grande architetto marchiagiano, formato alla corte di Urbino: DONATO BRAMANTE ( ) che realizzò cupola e absidi della chiesa di Santa Maria delle Grazie e labside della chiesa di Santa Maria presso San Satiro. Santa Maria presso San Satiro S. Maria delle Grazie Mancando lo spazio allesterno della chiesa per realizzare una vera abside Bramante trova lo stratagemma di una illusione prospettica: dipinge un finto coro. Leffetto ottenuto è quello di uno spazio molto profondo, in realtà si tratta di pochi centimetri.

14 Bramante a Milano fu anche pittore Cristo alla colonna Tempera e olio su tavola, 93,7x62,5 cm Brera, Pinacoteca di Brera Eraclito e Democrito (serie degli Uomini dArme) 1490 affresco staccato Milano, Pinacoteca di Brera

15 Donato Bramante fu anche molto attivo a Roma a lui papa Giulio II commissionò il progetto per la nuova chiesa di San Pietro, progetto che vide successivamente impegnato MICHELANGELO BUONARROTI ( ) Michelangelo nacque a Caprese, in provincia di Arezzo, e si formò a Firenze presso la bottega del GHIRLANDAIO. Frequentando la corte di Lorenzo il Magnifico e facendo parte del cenacolo di uomini darte e di lettere di cui Lorenzo era mecenate e protettore, ebbe modo di approfondire la sua cultura e conoscere il pensiero filosofico del tempo. Fu anche poeta. Pur considerandosi scultore fu molto attivo, per volontà di papa Giulio II, suo grande committente, anche come pittore e architetto. Michelangelo per definire larte della scultura diceva che per via del togliere, poiché la forma è già scolpita nel blocco di marmo e lo scultore deve solo tirarla fuori

16 David , Marmo, 434 cm Firenze, Gallerie dellAccademia Nel 1501 Firenze, divenuta Repubblica dopo la cacciata della famiglia Medici commissionò a Michelangelo la statua raffigurante David leroe che con lintelligenza sconfisse la forza brutale del gigante Golia. Il blocco di marmo era già stato abbozzato da un scultore minore e per molti risultava unimpresa impossibile. Michelangelo introduce una novità: rappresenta il momento in cui David raccoglie la concentrazione per la battaglia. Prima di allora si rappresentava sempre il David vincitore con la testa di Golia ai suoi piedi. Nella realizzazione del corpo ricerca la bellezza perfetta e idealizzata tipica dellarte classica Tutto il peso del corpo è scaricato sulla gamba destra Tutto il corpo di David è strutturato sulla tensione incrociata: sono sottosforzo la gamba destra e il braccio sinistro; sono a riposo la gamba sinistra e il braccio destro

17 Venne chiamato a Roma nel 1508 da papa Giulio II che lo convinse a lavorare come pittore, nella decorazione della VOLTA DELLA CAPPELLA SISTINA. La cappella prende il nome da papa Sisto IV che commissionò la costruzione e la prima decorazione parietale, realizzata da alcuni dei più grandi artisti del Quattrocento: PERUGINO, LUCA SIGNORELLI, SANDRO BOTTICELLI. Prima dellintervento di Michelangelo la volta era decorata con un cielo stellato.

18 La decorazione ad affresco della volta durò quattro anni: dal 1508 al 1512

19 Michelangelo dipinse nei riquadri centrali le STORIE DELLA GENESI dalla Divisione della luce dalle tenebre allEbbrezza di Noè. Dipinse ogni parte della volta incluse le finte architetture che incorniciavano le figure delle Sibille e dei Profeti, nelle vele alcune scene dellAntico Testamento. Creazione di Adamo Michelangelo definisce con una grande attenzione e veridicità le anatomie di tutti i personaggi. Ne evidenzia la plasticità e la volumetria Sibilla libica

20 Dopo un periodo di lontananza da Roma e di lavoro a Firenze, Michelangelo fu richiamato a Roma, nel 1534, da papa CLEMENTE VII che gli commissionò il lavoro conclusivo di decorazione della Cappella Sistina: la parete principale dietro laltare avendo come soggetto il Giudizio Universale. La decorazione durò dal 1536 al 1541 ed è un affresco di notevoli dimensioni: 1370x1200 cm. Pochi anni dopo la sua conclusione lopera rischiò di essere distrutta, infatti il Tribunale dellInquisizione e papa Paolo III giudicarono inadeguata tale rappresentazione del Giudizio Universale poiché non rispondeva a quanto descritto nei testi sacri e vi comparivano troppi nudi (era indecoroso ritrarre sante e santi senza vesti). La distruzione fu scongiurata e un pittore chiamato DANIELE DA VOLTERRA fu incaricato di coprire le nudità dipingendo delle braghe (larghi pantaloni). Per questo incarico il pittore passò alla storia con lappellativo di Braghettone

21 Cristo giudicante e la Vergine che intercede per la salvezza degli uomini San Bartolomeo che ascende in cielo portando con sé la sua pelle (nel suo martirio fu scuoiato). Nella pelle Michelangelo ha creato il suo ritratto in anamorfosi (le figure vengono deformate) Demoni che trascinano con loro le anime dei dannati

22 TECNICHE A CONFRONTO Pietà Marmo, 174(h)x 195 cm Vaticano, Basilica di S. Pietro Superficie totalmente levigata Pietà Rondanini , Marmo, 195(h)cm Milano, Museo del Castello Sforzesco Non finito con forme appena abbozzate che a tratti si fondono e superfici ruvide

23 Papa Giulio II, su suggerimento di Bramante, incaricò della decorazione delle Stanze Vaticane un giovane artista: RAFFAELLO SANZIO ( ). Raffaello era nato ad Urbino, era figlio di Giovanni Santi, pittore di corte dei Montefeltro e si era formato presso la bottega del PERUGINO. Si trasferì a Firenze, culla della cultura del tempo, per studiare le opere di Leonardo e Michelangelo. Nel 1508 si reca a Roma chiamato da papa Giulio II. Qui studia larte antica e soprattutto la Domus Aurea di Nerone decorata a grottesche. Moltissimi sono i pittori che entrarono a far parte della sua cerchia di aiuti e collaboratori e dai quali, dopo il sacco di Roma del 6 maggio 1527, si svilupperà in tutta Italia la pittura manierista: GIULIO ROMANO, PERIN DEL VAGA e POLIDORO DA CARAVAGGIO Dama con liocorno È un evidente riferimento ai ritratti di Leonardo da Vinci e in particolare alla Gioconda che Raffaello ha avuto modi di ammirare durante il soggiorno fiorentino

24 Le stanze vaticane sono quattro e almeno in parte erano già state affrescate da artisti quattrocenteschi come Perugino, ma il nuovo progetto di Raffaello prevedeva la loro distruzione. Le prime due quella della SEGNATURA (quella in cui il papa apponeva il suo segno sugli atti giuridici ed era la sua biblioteca) e quella di ELIODORO vennero decorate durante il pontificato di Giulio II; le altre, quella dellINCENDIO DI BORGO e di COSTANTINO vennero dipinte sotto il pontificato di Leone X. Scuola si Atene – Stanza della Segnatura Affresco Vaticano, Palazzo Vaticano Nella monumentale architettura di impostazione classica alcuni studiosi vi riconoscono la Basilica di San Pietro. Laffresco celebra la filosofia e della ricerca della verità attraverso luso della ragione La scena è strutturata seguendo una rigorosa prospettiva centrale il cui fuoco è costituito dalle figure di Platone e Aristotele

25 Nellaffresco compaiono molti ritratti di artisti e pensatori del tempo del tempo e dellantichità LEONARDO DA VINCI come Platone MICHELANGELO Il ritratto di Michelangelo venne inserito da Raffaello in un secondo momento, infatti nel cartone preparatori non compare la sua figura. Raffaello decise di ritrarlo in segno di omaggio dopo aver visto la prima parte della volta della Sistina. PITAGORA BRAMANTE come Euclide RAFFAELLO come Apelle e PERUGINO come Protogene SOCRATE FEDERICO II GONZAGA ALESSANDRO MAGNO IPAZIA BALDASSARRE CASTIGLIONE come ZOROASTRO DIOGENE BASTIANO DA SANGALLO Come Aristotele

26 Cartone preparatorio per laffresco Scuola di Atene 1508 Milano, Pinacoteca Ambrosiana LA FIGURA DI MICHELANGELO MANCA

27 Cacciata di Eliodoro dal Tempio 1512 Viene inserito il ritratto di papa Giulio II che entra nel tempio trasportato sulla sedia gestatoria. È un omaggio al pontefice committente degli affreschi. Raffaello realizzò un ritratto del pontefice e dal confronto si coglie la somiglianza totale con il personaggio ritratto nellaffresco delle stanza vaticane.

28 Incontro di Leone I Magno e Attila 1513 Benché il protagonista degli eventi fosse Leone I Magno Raffaello ritrae papa Leone X, committente dellopera, come si può vedere confrontando il ritratto di papa Leone X, realizzato da Raffaello

29 Lultima stanza, quella di Costantino, venne conclusa da GIULIO ROMANO, primo aiutante di Raffello, poiché durante la realizzazione Raffaello morì improvvisamente, lasciando incompiuta la stanza ma anche la sua più grande opera: LA TRASFIGURAZIONE

30 In questultima opera Raffaello dimostra di aver assimilato appieno la lezione di plasticismo, volumetria e definizione anatomica di Michelangelo, arricchita da un uso morbido del colore che concorre a definire forme e volumi ma assume anche il valore di specchio emotivo. Nella figura di donna è evidente il rimando al dipinto di Michelangelo: nella struttura compositiva basata sulla linea a spirale; nella scelta cromatica e nellinserimento dei dettagli come lacconciatura Segue la tradizione nella scelta di distinguere nettamente tra sfera terrena (nella parte bassa) e sfera celeste (nella parte alta). La sfera terrena è rappresentata da figure che compiono gesti concitati e sono definite da cromie e chiaroscuro marcati. La sfera celeste è illuminata da una luce diffusa generata da Cristo. Lelemento di coesione tra le due sfere è costituito dalle figure degli apostoli che assistono alla trasfigurazione di Cristo. Michelangelo Tondo Doni tempera su tavola, 120 cm Firenze Galleria degli Uffizi Trasfigurazione 1520 Olio su tela Vaticano, Musei Vaticani

31 A Giorgio Vasari si deve la netta contrapposizione tra la SCUOLA FIORENTINA e la SCUOLA VENETA La differenza sostanziale tra i due modi di fare arte consisteva nel fatto che artisti come Leonardo, Michelangelo e Raffaello consideravano fondamentale il disegno, la definizione nitida della forma, dei dettagli. Realizzavano molti disegni preparatori, costruivano le loro composizioni attraverso. La figura umana è sempre lelemento principale e protagonista di tutte le composizioni. I pittori veneti, invece, dipingevano direttamente sulla tela o realizzavano solo pochi tratti di disegno per definire proporzioni e forme, ma non si soffermavano sulla definizione dei dettagli. È il colore assoluto protagonista delle loro opere. Non vi sono contorni netti, tutto è sfumato poiché colore e luce si fondono. Inoltre i pittori veneti danno moltissima importanza al paesaggio, allelemento naturale che diventa protagonista alla pari della figura umana. Due protagonisti del cinquecento veneto sono GIORGIONE e TIZIANO VECELLIO considerati i massimi esponenti della cosiddetta pittura tonale veneta Giorgio Vasari ( ) fu pittore e architetto, ma la sua opera più celebre è un opera letteraria: Vite de più eccellenti pittori, scultori e architetti italiani, da Cimabue insino a tempi nostri, edita nella prima edizione nel 1550, poi aggiornata o modificata in una versione del 1568 (arricchita anche dai ritratti degli artisti, realizzati a xilografia). Vasari redige le biografie di oltre 160 artisti. A lui si deve lutilizzo per la prima volta del nome Gioconda per indicare il quadro di Leonardo.

32 GIORGIONE (1477 – 1510) Si hanno pochissime notizie della vita di Giorgione e restano poche opere attribuibili con certezza al pittore di Castelfranco Veneto. Si sa che fu artista dai molteplici interessi, era anche musicista e attento conoscitore dellarte a lui contemporanea, in particolare quella del nord Europa. Fu allievo di GIOVANNI BELLINI e maestro di TIZIANO VECELLIO. Morì molto giovane e in circostanze misteriose, probabilmente avvelenato. Una leggenda che si diffuse dopo la sua morte raccontava che fosse stato lo stesso Tiziano ad assassinarlo, perché geloso della sua bravura. Si tratta della prima testimonianza dellinteresse di Giorgione per lo studio dellastronomia, astrologia e alchimia. È un fregio a monocromo, in terra ocra, che corre nella parte superiore delle pareti maggiori del salone principale, raffigurante differenti allegorie. Decorazione della Casa Pellizzari , affresco, fascia di 0,78 x 15,88 m, Castelfranco Veneto

33 I tre filosofi olio su tela, 123 x 144 cm Vienna, Kunsthistorisches Museum È ancora ignoto il reale significato di questa tela che probabilmente ritrae figure allegoriche (le tre età delluomo o il pensiero rinascimentale -il giovane-, la filosofia araba - l'uomo col turbante- il pensiero medievale -il vecchio-) o tre filosofi o ancora i Re Magi. Natura, uomo e architettura sono perfettamente integrati creando quella totale armonia ricercata dalla pittura veneta la grotta da cui esce un barlume di luce potrebbe essere un riferimento alla filosofia platonica Le architetture rievocano quelle della pittura nordeuropea Il personaggio più anziano tiene in mano un compasso e dei fogli che riportano le fasi delleclissi solare del Il giovane che guarda la grotta tiene in mano strumenti di calcolo e misurazione. CURIOSITA: una radiografia del quadro ha rivelato che Giorgione in un primo momento aveva realizzato il volto del giovane uomo con tratti deformati per rappresentare una figura demoniaca.

34 La tempesta , Olio su tela, 82x73 cm Venezia, Galleria dellAccademia È stato definito il primo paesaggio della storia dell'arte occidentale, ma il significato della scena è ancora criptico. È evidente, soprattutto nel modo di trattare il paesaggio, con lutilizzo di una prospettiva infinita e leffetto atmosferico (prospettiva aerea e sfumato) il riferimento a Leonardo. Una radiografia ha rivelato che sotto la figura maschile Giorgione aveva dipinto unaltra donna nuda Elemento fondamentale è il colore che crea e definisce volumi e forme, e che attraverso i trapassi delicati di tono, annulla la linea di contorno. La donna che è rappresentata in una posa innaturale. È stata interpretata come la donna che salvò Mosè dalle acque, come Eva ma anche come personificazione della Carità Alcuni studiosi hanno riconosciuto nelle architetture di fondo la città natale di Giorgione: Castelfranco Vento. Altri vi vedono la rappresentazione del Paradiso Terrestre La luce diffusa e dorata, fondendosi con il colore e definendo li volumi e le forme, concorre insieme al fulmine sullo sfondo a creare un atmosfera di tensione emotiva

35 TIZIANO VECELLIO (1480/90 – 1576) È considerato il più grande artista del Cinquecento veneto, e fu appezzato molto dai contemporanei. Entrò nella bottega da Giovanni Bellini per poi diventare allievo di Giorgione. Ottenne molte commissioni da ordini religiosi, da nobili, dal governo della repubblica Serenissima (Venezia) di cui divenne pittore ufficiale dal Inoltre divenne ritrattista ufficiale dellimperatore Carlo V e del figlio Filippo II per i quali realizzò moltissime opere. Lavorò anche per le corti di Mantova, Ferrare e Urbino per non lasciando mai Venezia. Si cimentò in tutti i generi pittori, ricevendo sempre grandi consensi. La sua data di nascita è ancora dubbia, poiché non esistono documenti certi che la attestino, ma esistono lettere scritte da lui e indirizzate a Carlo V e Filippo II in cui dichiara di avere novantanni e bisogno di soldi per curarsi. Alcuni storici dellarte però pensano che il pittore, che lavorava per il sovrano ma non veniva pagato, insistesse sulletà per suscitar compassione. Nella sua lunga attività ebbe modo di vivere direttamente tutti i cambiamenti dellarte e rielaborare, in chiave veneta, i caratteri del Manierismo, che si diffuse in Italia dopo il sacco di Roma del 1527

36 Amor Sacro e Amor Profano, 1514 circa, olio su tela, 118x279 cm, Roma Galleria Borghese Era il dono nuziale di un nobile veneziano per la moglie. Lo stemma della famiglia compare sulla fontana Le due donne identiche simboleggiano i due differenti tipi damore e di felicità: La donna vestita con abiti sontuosi tiene vicino a sé un vaso di gioie e rappresenta lamore e la felicità terreni. La donna coperta solo da un panneggio tiene in mano la fiamma ardente dellamore di Dio e rappresenta lamore puro e la felicità eterna e celeste Sono moltissimi i simboli che si riferiscono al matrimonio: La corona di mirto che cinge la testa della donna vestita; i conigli; il bambino che mescola lacqua nella fontana… Il paesaggio riprende i caratteri tipici della pittura veneta Luce radente e colori limpidi e vividi si fondono creando una composizione dominata dal naturalismo e dalla ricerca dellarmonia perfetta, che celebra la bellezza.

37 Assunzione della Vergine Olio su tela, 690x360 cm Venezia, Chiesa dei Frari La composizione è suddivisa in tre parti distinte: in basso – gli apostoli caratterizzati da gesti enfatici ed espressioni drammatiche perché sconvolti dal miracolo di cui sono testimoni diretti al centro – la Vergine sospesa sulle nuvole sostenute da un corteo di angeli festanti e avvolta dalla luce celeste in alto – Dio Padre rappresentato fortemente scorciato attraverso luso di una prospettiva molto ardita Il colore e la luce sono protagonisti assoluti e strumenti che guidano locchio dello spettatore nel passaggio dalla dimensione terrena (dominata da un forte chiaroscuro) alla dimensione celeste (avvolta da una luce abbagliante emanata da Dio. Luce e colore contribuiscono ad aumentare il senso di dinamismo, volumetria e plasticità delle figure e dei panneggi. TIZIANO CREA UN NUOVO STILE PITTORICO UNENDO: COLORISMO VENETO DEFINIZIONE ANATOMICA e VIGORE PLASTICO DI MICHELANGELO GRAZIA e ABILITA COMPOSITVA DI RAFFAELLO

38 Carlo V a cavallo Carlo V è in procinto di prendere parte alla battaglia di Mülberg contro i protestanti 1548 olio su tela, 332x279 cm Madrid, Museo del Prado Nei ritratti che Tiziano realizza per limperatore emerge sempre la ricerca assoluta della realtà. Nel ritratto ufficiale traspare il carattere forte e deciso dellimperatore battagliero e baluardo della cristianità. Nei ritratti privati emerge la salute vacillante dellimperatore provato dalle difficoltà del governare un impero tanto vasto e indebolito da rivalità interne. Carlo V seduto 1548 Olio su tela Monaco, Alte Pinakothek

39 Nelle sue ultime opere le forme si disfano e il colore, steso direttamente sulla tela, con tanti piccoli tocchi di accostati. In questo modo il soggetto del dipinto è distinguibile solo se guardato da lontano Il supplizio di Marsia Olio su tela Kromeriz, Pinacoteca del Castello Mida, giudice della sfida tra Apollo e Marsia è rappresentato nella tipica posa del melanconico, ed ha il volto di Tiziano

40 È lultima opera di Tiziano, iniziata poco prima della morte e non terminata. Il pittore voleva che questa tela fosse posta sopra la tomba La composizione è strutturata su uno schema piramidale Protagonista di questo dipinto è la tensione emotiva dei singoli personaggi: - disperata la Maddalena - addolorati ma pacati la Madonna e San Gerolamo (nel quale Tiziano si ritrae) Larchitettura ha grande spazio e ha la funzione di sottolineare la figura di Cristo, avvolto anche dalla luce Pietà Olio su tela Venezia, Galleria dellAccademia


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